Como desenhar storyboards
Criar storyboards é uma ótima maneira de mapear seu filme e criar uma visão clara para cada cena, e é muito fácil começar! Colocamos um guia para guiá-lo através de tudo que você precisa saber sobre desenhar seus próprios storyboards como um profissional. Confira os passos abaixo para aprender como criar um modelo de storyboard, venha com fotos interessantes e preencher seus storyboards com desenhos, diálogos e quaisquer notas importantes que você tem.
Passos
Método 1 de 3:
Storyboarding uma cena
1. Complete seu script antes de começar os storyboards. Se o script for um modelo para como um filme soará, um storyboard é o modelo para como eles parecem. Os storyboard são como você visualiza como os atores, adereços, fundos e ângulos de câmera se encaixam em qualquer cena ou sequência específica de tiros. É a sua chance de mapear visualmente o filme antes de câmeras caras, atores e tripulações estão esperando em torno do conjunto.
- Dito isto, um dos empregos de um storyboarder é pegar o roteiro e melhorar isso adicionando visuais. Você deve saber o arco completo da história antes de começar.
2. Desenhe quadrados para cada cena, deixando espaço para diálogo por baixo. Depois de escrever o seu script e ter uma ideia do que acontecerá em seu filme, pegue um papel de papel ou cartaz para montar seu storyboard em. Como uma faixa de quadrinhos, cada quadrado representa um tiro ou cena e o espaço embaixo é onde você preenche o diálogo, notas ou ação.
3. Estabelecer o local e quaisquer objetos importantes, em sua primeira caixa da cena. A função mais importante do storyboard é mostrar como o tiro vai parecer. Para sua primeira consulta, você vai querer todos os detalhes essenciais para que as pessoas lendo sou conhecidas onde estão. Ao se perguntar o que incluir, sempre faça a pergunta: "Isso é essencial para entender a cena?"
4. Use setas e anotações para mostrar qualquer movimento ou alterações. Por exemplo, se você quiser um personagem para socar outro, você não precisa atrair cinco quadros de seu punho se movendo lentamente em direção a um rosto. Em vez disso, desenhe um quadro do punho com uma seta indicando o movimento.
5. Preencha o diálogo da cena e os sons debaixo do desenho. Lembre-se, você está basicamente fazendo uma versão em quadrinhos do filme, então você deve adicionar efeitos sonoros essenciais também. Não se preocupe se não se encaixar - você está apenas dando marcadores para o diretor e tripulação sobre onde o som é correspondido, então elipses ("...") pode ajudar.
6. Faça um novo quadro para cada ação significativa ou movimento da câmera. Sempre que algo acontece, ele precisa de sua própria caixa. Se você está desenhando uma conversa, você vai querer mudar de um personagem para outro como eles falam, assim como algumas fotos de ambos ao mesmo tempo. Você precisa desenhar cada um desses turnos individualmente.
7. Preencha notas essenciais sobre movimento, sons ou efeitos especiais. Se uma cena requer um pouco de sangue falso, então faça uma nota dela usando uma caneta vermelha ou anotando. Se o tiro exigir uma tomada longa e contínua, use setas para indicar como tudo flui juntos. Embora existam os termos apropriados para tudo isso, o mais importante é visualmente dizendo a história, no entanto, você pode. Se faz sentido como um guia para filmar, coloque-o em.
Método 2 de 3:
Melhorando seus storyboards
1. Encontre maneiras de expressar os temas do script visualmente. Não deixe o roteiro "fale por si mesmo-" Os melhores filmes estão tensaticamente relacionados em todos os níveis: escrita, storyboard, efeitos sonoros, atuar, etc. É o seu trabalho dar um bom roteiro e transformá-lo em ótimos recursos visuais. Cada cena, pergunte a si mesmo qual é o objetivo da cena, qual é o humor ou o tom, e quais são os mais importantes adereços, personagens ou momentos. Como você pode chamar a atenção para essas coisas??
- Encontre o elemento mais crucial da cena, e encontre uma maneira de chamar a atenção do público para dentro de cada tiro, tornando-a maior, centrando-a, zoom para ele, etc.
- Gene Wilder não era um storyboarder, mas ele pensou como um comediante visual. Dentro Willy Wonka, a famosa introdução onde ele "acidentalmente" Viagens, quedas e rolos para aplausos raucosos foram elaborados por ele como uma maneira de retratar Wonka tão divertido, estranho e escondido atrás de uma fachada em quadrinhos.
2. Evite composições planas, bidimensionais, sempre inclinando a câmera. O que você não quer é um andar completamente plano, onde a câmera está em um ângulo reto no chão. Inclinando o tiro ligeiramente dá aos seus storyboard três dimensões, mesmo que seja apenas uma ligeira mudança. Em linha reta em tiros são quase nunca tão emocionantes quanto composições 3D dinâmicas.
3. Fornecer motivação para cortar a câmera em vez de apenas mudar o tiro. Normalmente isso é óbvio - Se outro personagem está falando, você precisa cortar para mostrá-los. Se alguém ouve um barulho atrás deles, você corta para o local que o barulho veio de. Todos os bons cortes devem ter um motivo para ocorrer - se é o enredo, personagens, muda a atenção, ou uma escolha puramente artística.
4. Use o ângulo de uma câmera para indicar relacionamentos e sentimentos de caracteres. O ângulo do seu tiro conta o público como se sentir sobre os personagens ou cenas. Você pode usar este fato de maneira interminável e deve sempre se perguntar como o ângulo da câmera ajuda ou dificulta o ponto do tiro. Por exemplo:
5. Tente escrever a cena como prosa se você estiver lutando para começar. Sentando-se e começando a cena, fazendo escolhas difíceis como ângulo de câmera e composição, é difícil se você não tiver certeza de que direção você quer levar as coisas ainda. Um bom passo intermediário é escrever a cena como um conto. Que peças aparecem tão importantes, que detalhe se destacam como você está escrevendo e quais são as ações-chave em cada tiro? Você pode então editar este mini-script como uma prática executada antes de desenhar.
6
Estudo de cinematografia. Storyboards são, em essência, prática tiros de um filme. Como tal, eles objetivo é usar as placas para configurar luzes reais, câmeras e conjuntos para imitar o tiro que você desenhou. Mergulhando profundamente em tipos de tiro, composição de cor, ângulos de câmera e mais aumentará muito o seu kit de ferramentas como um criador da placa de histórias.
Método 3 de 3:
Storyboard como um profissional
1. Aprenda a terminologia dos ângulos comuns da câmera. Não basta confiar em desistir para conseguir o seu ponto - o mundo do filme está cheio de vocabulário que torna seu trabalho mais fácil e seus storyboards mais precisos. Escrevendo os ângulos da câmera ajuda as tripulações de câmera rapidamente ver quais tiros eles devem se preparar, e deixa você ver se você está ficando acidentalmente repetitivo com sua escolha de tiro.
- Estabelecendo tiros: Tiros rápidos que ilustram o conjunto, local ou posição inicial dos caracteres.
- Completo, médio, perto, extremo perto: Se você está mostrando um personagem, quanto você está mostrando? Full (FS) mostra todo o corpo, médio (ms) mostra cintura para cima, fechar (cu) mostra ombros e cabeça, e extrema close up (ecu) sapatos apenas face.
- Up Shot / Down Tiro: As fotos olham para cima em um personagem, enquanto as tiros baixam de cima. "Olho de worm" e "Olho do pássaro" são as versões extremas de cada.
- Sobre o ombro (OTS): Um dos seus termos mais importantes, essas fotos têm uma pessoa ou coisa no lado do quadro, voltadas ao olhar para outro. Muito comum em conversas entre duas pessoas.
- Dois tiro: Quando ambos os personagens, geralmente falando um com o outro, ambos estão no quadro de uma só vez. Ao desenhar o diálogo, duas fotos geralmente se alternam com tiros osts.
- POV SHOTS São simplesmente quando a câmera imita o ponto de vista de um personagem.
2. Familiarize-se com movimentos da câmera para ilustrar tiros em movimento ou mudando. A seguinte lista não é de forma alguma exaustiva, mas é uma boa primer em escrever storyboards coerentes. Sempre que você quiser adicionar um, escreva o movimento de câmera real no storyboard.
3. Fazer notas apropriadas de transições entre tiros. Os seguintes cortes são alguns dos mais comuns no filme, e devem ser notados no seu storyboard. Cada um requer um pequeno desenho ao lado das palavras, representando visualmente a transição. Comece com um pequeno retângulo, representando a tela, logo antes do diálogo, preencha este retângulo com sua transição:
4. Lembre-se de bloquear as instruções básicas para ajudar a definir a cena e os atores. Os termos a seguir referem-se ao lugar de um objeto no tiro. Também pode ajudar a direcionar o movimento, como se um personagem caminha da parte de trás do tiro para a frente, o que poderia ser expresso como "BG → FG."
5. Rotule suas fotos corretamente, então o resto da tripulação pode lê-los. Em geral, um "cena" em um storyboard realmente se refere a um movimento de câmera ininterrupta, não um evento completo. Essas cenas são adicionadas para formar um "seqüência," que é toda a ação, conversa, que você está retratando (o que você normalmente chama de "cena").
6. Objetivo para clareza, não símbolos ou vocabulário perfeitos, se você estiver confuso. O objetivo final de um storyboard é visualmente dizer ao filme, não para passar um teste de vocabulário. Enquanto você deve sempre se esforçar para aprender a terminologia, você quer que os storyboards sejam facilmente lidos por diretores, cinematógrafos e o resto da tripulação. Se você tem uma ideia, mas não sabe como expressá-lo, use suas habilidades de desenho para transmitir o ponto o mais simples possível. Setas, notas e vários painéis devem ser usados para compartilhar suas ideias criativas quando as palavras não são suficientes.
Vídeo
Ao usar este serviço, algumas informações podem ser compartilhadas com o YouTube.
Pontas
Se ajudar, você pode dobrar um pedaço de papel em 6 quadrados, para enquadrar suas cenas facilmente ou baixar um modelo de storyboard gratuito da Internet.
O software de storyboard geralmente possui um banco de dados para ajudar a acompanhar informações de script, adereços, locais, direções de câmera, etc.
Mantenha sua audiência em mente enquanto você está storyboarding. Pense sobre eles querem ver, não o que você quer desenhar.
Você não precisa tirar cada quadro perfeitamente - um esboço áspero é totalmente bom.
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