Como animar

Animação consiste em uma série de imagens estáticas apresentadas em sequência rápida para criar a ilusão de movimento. Há uma série de maneiras de animar: desenho à mão (Flipbook), desenho e pintura em celulóide transparente, movimento de parada ou usando um computador para criar imagens bidimensionais ou tridimensionais. Embora cada método use técnicas diferentes, todos os métodos de animação são baseados nos mesmos conceitos de como enganar o olho.

Passos

Parte 1 de 5:

Conceitos gerais de animação

1. Planejar a história que você quer animar. Para animações simples, como um flipbook, você provavelmente pode planejar tudo em sua cabeça, mas para um trabalho mais complexo, você precisa criar um storyboard. Um storyboard se assemelha a uma faixa de quadrinhos de grandes dimensões, combinando palavras e fotos para resumir a história geral ou uma determinada parte dele.

Se sua animação usar caracteres com aparições complicadas, você também precisará preparar folhas de modelo mostrando como aparecem em várias poses e em comprimento total.

2. Decida quais partes da sua história precisam ser animadas e quais partes podem permanecer estáticas. Geralmente não é necessário, ou econômico, ter todos os objetos na história se mover para contar a história de forma eficaz.Isso é chamado de animação limitada.

Para um desenho animado representando super-homem voando, você pode querer mostrar apenas o homem da capa de aço batendo e nuvens whizzing de primeiro plano no fundo em um céu estático. Para um logotipo animado, você pode querer ter apenas o nome da empresa girar para chamar a atenção para ele e, em seguida, por apenas um número fixo de vezes, para que as pessoas possam ler o nome claramente.

Animação limitada em cartoons tem a desvantagem de não parecer particularmente realista. Para desenhos animados alvo para crianças pequenas, isso não é tanto uma preocupação quanto em obras animadas destinadas a um público mais velho.

3. Determine quais partes da animação você pode fazer repetidamente. Certas ações podem ser divididas em renderizações sequenciais que podem ser reutilizadas várias vezes em uma sequência de animação. Tal seqüência é chamada de loop. Ações que podem ser loop incluem o seguinte:

Saltando de bola.

Caminhando / correndo.

Movimento da boca (falando).

Corda pulando.

Asa / flapta de capa.

4. Você pode encontrar tutoriais para algumas dessas ações no site Angry Animator em http: // AngryAnimator.COM / Word / Tutoriais /.

Parte 2 de 5:

Fazendo um flipebook

1. Obter uma série de folhas de papel que você pode virar. Um flipbook consiste em uma série de folhas de papel, geralmente ligadas a uma borda, que cria a ilusão de movimento quando você compreende a borda oposta com o polegar e vira as páginas. Quanto mais folhas de papel no flipbook, mais realistas o movimento parece ser. (Um filme de ação ao vivo usa 24 quadros / imagens para cada segundo, enquanto a maioria dos desenhos animados usa 12.) Você pode fazer o livro real de várias maneiras:

Grampos ou lençóis de digitação ou papel de construção juntos.
Use um bloco de notas.
Use uma almofada de notas pegajosas.

2. Crie as imagens individuais. Você pode fazer as imagens no seu Animação Flipbook uma de várias maneiras:

Desenhe-os à mão. Se você fizer isso, comece com imagens simples (stick figuras) e fundos e gradualmente resolver desenhos mais complexos. Você precisará tomar cuidado que os backgrounds são consistentes da página para a página para evitar uma aparência jittery quando você virar as páginas.

Fotografias. Você pode tirar uma série de fotos digitais e imprima-as em folhas de papel e ligá-las juntas ou use um aplicativo de software para criar um flipbook digital. É mais fácil fazer isso se sua câmera tiver um modo de imagem de burst que permita tirar várias fotos ao segurar o botão.

Vídeo digital. Alguns casais recém-casados optam por criar flipebooks de mesa de café do casamento, usando uma porção do vídeo do vídeo durante o casamento. Extração de quadros de vídeo individuais requer usar um software de edição de computador e vídeo, e muitos casais optam por carregar seus vídeos para empresas on-line, como flipclips.com.

3. Montar as imagens juntas. Se você foi desenhando as imagens em um bloco de notas já vinculado, a montagem é feita para você. Caso contrário, organize as imagens com a primeira imagem na parte inferior da pilha e a última imagem no topo e ligue as folhas juntas.

Você pode querer experimentar de sair ou rearranjar algumas das imagens para fazer a animação aparecer jerkier ou mudar o padrão de animação antes de ligar o livro juntos.

4. Virar pelas páginas. Dobre as páginas para cima com o polegar e solte-os a uma velocidade. Você deve ver uma imagem em movimento.

Os animadores de caneta e tinta usam uma técnica semelhante com desenhos preliminares antes de colorir e tê-los. Eles colocam-os um em cima um do outro, primeiro a durar, depois seguram uma das bordas enquanto alinham os desenhos.

Parte 3 de 5:

Criando animação de caneta e tinta (cel)

1. Prepare o storyboard. A maioria dos projetos de animação criados através da animação de caneta e tinta exigem uma grande equipe de artistas para produzir. Isso requer a criação de um storyboard para orientar os animadores, bem como comunicar a história proposta aos produtores antes do início do trabalho de desenho.

2. Registre uma trilha sonora preliminar. Como é mais fácil coordenar uma sequência animada para uma trilha sonora do que uma trilha sonora para uma sequência animada, você precisa gravar uma trilha sonora preliminar ou "zero" que consiste nesses itens:

Vozes de personagem

Vocais para quaisquer músicas

Uma faixa musical temporária. A faixa final, juntamente com quaisquer efeitos sonoros, são adicionados em pós-produção.

Desenhos animados antes e para a década de 1930 fizeram a animação primeiro, então o som. Os estúdios do Fleischer fizeram isso em seus primeiros desenhos de Popeye, que exigiam os atores de voz a AD-lib em lugares scripts no diálogo. Isso é responsável por murmúrios humorísticos de Popeye em desenhos animados, como "Escolha seus Weppins."

3. Faça um reel preliminar da história. Este carretel ou animatic, sincroniza a trilha sonora com o storyboard para encontrar e corrigir erros de tempo na trilha sonora ou no script.

Agências de publicidade fazem uso de animatics, bem como fotomáticos, uma série de fotografias digitais seqüenciadas para fazer uma animação em bruto. Estes são geralmente criados com fotos de estoque para manter o custo para baixo.

4. Criar folhas de modelo para personagens principais e adereços importantes. Essas folhas mostram os personagens e itens de vários ângulos, bem como o estilo em que os personagens devem ser desenhados. Alguns caracteres e itens podem ser modelados em três dimensões usando adereços chamados maquettes (pequenos modelos).

Folhas de referência também são criadas para os contextos necessários para onde a ação ocorre.

5. Refine o tempo. Passar por cima do animatic para ver o que poses, movimentos dos lábios e outras ações serão necessárias para cada quadro da história. Escreva estas poses em uma tabela chamada folha de exposição (folha X).

Se a animação é definida principalmente para música, como Fantasia, Você também pode criar uma folha de bar para coordenar a animação para as notas da pontuação musical. Para algumas produções, a folha de barra pode substituir a folha X.

6. Deite as cenas da história. Desenhos animados são estabelecidos semelhantes à maneira como um cinematógrafo bloqueia cenas em um filme de ação ao vivo. Para grandes produções, grupos de artistas inventam a aparência de fundo em termos de ângulos de câmera e caminhos, iluminação e sombreamento, enquanto outros artistas desenvolvem as poses necessárias para cada personagem em uma determinada cena. Para produções menores, o diretor pode fazer todas essas determinações.

7. Criar um segundo animatic. Este animatic é composto pelos desenhos de storyboard e layout, com a trilha sonora. Quando o diretor aprova, a animação real começa.

8. Desenhe os quadros. Na animação tradicional, cada quadro é desenhado em lápis em papel transparente perfurado nas bordas para caber nos pinos em uma estrutura física chamada PEG Bar, que por sua vez é anexada a uma mesa ou uma mesa de luz. O bar PEG mantém o papel de escorregar de modo que cada item na cena sendo processado aparece onde é suposto.

Geralmente apenas os pontos-chave e ações são prestados primeiro. Um teste de lápis é feito, usando fotos ou varreduras dos desenhos sincronizados com a trilha sonora para garantir que os detalhes estejam corretos. Só então os detalhes são adicionados, após o que eles também são testados a lápis. Uma vez que tudo tenha sido tão testado, é enviado para outro animador, que redesenhe-o para dar uma aparência mais consistente.

Em grandes produções, uma equipe de animadores pode ser atribuída a cada personagem, com o lead animator renderizando os principais pontos e ações e assistentes que tornam os detalhes. Quando os caracteres desenhados por equipes separadas interagem, os animadores de chumbo para cada personagem funcionam em qual caractere é o personagem principal para essa cena, e esse caractere é processado primeiro, com o segundo caractere desenhado para reagir às ações do primeiro caractere.

Um animatic revisado é criado durante cada fase de desenho, aproximadamente equivalente ao diário "Rushes" de filmes de ação ao vivo.

Às vezes, geralmente quando se trabalha com personagens humanos realisticamente desenhados, os desenhos do quadro são rastreados ainda sobre atores e paisagens no filme. Este processo, desenvolvido em 1915 por Max Fleischer, é chamado de rotocoping.

9. Pintar os fundos. Como os quadros estão sendo desenhados, os desenhos de fundo são transformados em "conjuntos" para fotografar os desenhos do personagem contra. Hoje geralmente feito digitalmente, a pintura pode ser feita tradicionalmente com uma das várias mídias:

Guache (uma forma de aquarela com partículas pigmentadas mais espessas)

Tinta acrílica

Óleo

Aguarela

10. Transferir os desenhos para os CELS. Curto para "celulóide", são finas finas e claras de plástico. Tal como acontece com o papel de desenho, suas bordas são perfuradas para se encaixar nos pinos de uma barra de PEG. Imagens podem ser traços dos desenhos com tinta ou fotocopiado no CEL. O CEL é então pintado no verso usando o mesmo tipo de tinta para pintar o fundo.

Apenas a imagem do personagem no objeto no CEL é pintada - o resto é deixado sem pintura.

Uma forma mais sofisticada deste processo foi desenvolvida para o filme O caldeirão preto. Os desenhos foram fotografados em filme de alto contraste. Os negativos foram desenvolvidos em CELS cobertos com corante sensível à luz. A porção não exposta do CEL foi quimicamente limpa, e pequenos detalhes foram pintados à mão.

11. Camada e fotografar os CELS. Todas as células são colocadas na barra de PEG, cada CEL carrega uma referência para indicar onde é colocado na pilha. Uma folha de vidro é colocada sobre a pilha para achatar, então é fotografado. Os CELS são então removidos, e uma nova pilha é criada e fotografada. O processo é repetido até que cada cena seja composta e fotografada.

Às vezes, em vez de colocar todos os CELS em uma única pilha, várias pilhas são criadas e a câmera se move para cima ou para baixo através de pilhas. Esse tipo de câmera é chamado de câmera multiplano e é usada para adicionar a ilusão de profundidade.

As sobreposições podem ser adicionadas ao longo do plano de fundo, sobre o personagem CELL, ou em cima de todas as células para adicionar profundidade e detalhes adicionais à imagem resultante antes de ser fotografada.

12. Splice as cenas fotografadas juntas. As imagens individuais são sequenciadas juntas como quadros de filme, que, quando executadas em sequência, produzem a ilusão de movimento.

Parte 4 de 5:

Criando animação de parada

1. Prepare o storyboard. Como com outras formas de animação, um storyboard fornece um guia para os animadores e um meio de se comunicar com os outros como a história é fluir.

2. Escolha o tipo de objetos para ser animado. Como com animação de caneta e tinta, a animação de parada depende da criação de várias fotos de imagens a serem exibidas em sequência rápida para produzir a ilusão de movimento. Animação de parada, no entanto, normalmente usa objetos tridimensionais, embora isso nem sempre seja o caso. Você pode usar qualquer um dos seguintes para animação de parada:

Corte de papel. Você pode cortar ou rasgar pedaços de papel em partes de figuras humanas e animais e colocá-los contra um plano de fundo desenhado para produzir uma animação bidimensional cru.

Bonecas ou brinquedos recheados. Mais conhecido com produções animadas de rankin-bass, como Rudolph, a rena do nariz vermelho ou Papai Noel está vindo para a cidade e mergulho adulto Robot Chicken, Esta forma de movimento de parada remonta a Albert Smith e Stuart Blackton`s 1897 O circo humpty dumpty. Você terá que criar recortes para os vários padrões de lábio para anexar aos seus animais de pelúcia se você quiser que eles movam seus lábios quando falam, no entanto.

Figuras de barro. As ranhuras da Califórnia de Claymation de Vinton Will Vinton são os exemplos modernos mais conhecidos desta técnica, mas a técnica remonta a 1912 Modelagem extraordinária e foi o método que fez da Art Calkey`s Gumby uma estrela de TV na década de 1950. Você pode precisar usar armaduras para algumas figuras de barro e bases de perna pré-esculpidas, como Marc Paul Chinoy fez em seu filme de 1980 Eu vou pogo.

Modelos. Modelos podem ser de criaturas ou veículos reais ou de fantasia. Ray Harryhausen usou animação de parada para as fantásticas criaturas de tais filmes como Jason e os argonautas e A viagem de ouro de Sinbad. Luz industrial e mágica usado animação de parada de veículos para fazer o AT-ATS atravessar os resíduos gelados de Hosth em O império Contra-Ataca.

3. Registre uma trilha sonora preliminar. Tal como acontece com a animação de caneta e tinta, você precisará ter uma trilha sonora de arranhões para sincronizar a ação para. Você pode precisar criar uma folha de exposição, uma folha de barra ou ambos.

4. Sincronizar a trilha sonora e o storyboard. Tal como acontece com a animação de caneta e tinta, você quer resolver o tempo entre a trilha sonora e a animação antes de começar a mover objetos ao redor.

Se você pretende ter caracteres falando, você terá que resolver as formas da boca correta para o diálogo que eles são proferidos.

Você também pode achar necessário criar algo semelhante ao photomatic descrito na seção sobre animação de caneta e tinta.

5. Deite as cenas da história. Esta parte da animação de parada também seria semelhante a como um cinematógrafo bloqueia um filme de ação ao vivo, ainda mais do que a animação de caneta e tinta, já que você provavelmente trabalha em três dimensões como em um filme de ação.

Tal como acontece com o filme de ação ao vivo, você provavelmente terá que se preocupar com realmente iluminar uma cena em vez de desenhar nos efeitos da luz e sombra como você faria em animação de caneta e tinta.

6. Configurar e fotografar os componentes da cena. Você provavelmente vai querer ter sua câmera montada em um tripé para mantê-lo estável durante a seqüência de tiro. Se você tiver um temporizador que permita tirar fotos automaticamente, você pode querer usá-lo se puder configurá-lo por longos períodos para permitir que você ajuste os componentes durante a cena.

7. Mova os itens que precisam ser movidos e fotografar a cena novamente. Repita isso até que você tenha concluído fotografar toda a cena do início ao fim.

Animador Phil Tippett desenvolveu uma maneira de ter alguns dos modelos controlados pelo computador para produzir movimentos mais realistas. Chamado "Go Motion", este método foi usado em O império Contra-Ataca, bem como em Matador de dragão, Robocop, e Robocop II.

8. Montar as imagens fotografadas em uma sequência. Como com CELS fotografado em animação de caneta e tinta, os tiros individuais da animação de parada se tornam quadros de filme que produzem a ilusão de movimento quando executam um após o outro.

Parte 5 de 5:

Criando animação de computador

1. Decida se você quer se especializar em animação 2-D ou 3-D. Animação de computador torna a animação bidimensional ou tridimensional mais fácil do que fazer o trabalho à mão.

Animação tridimensional requer aprender habilidades adicionais além da animação. Você precisará aprender a acender uma cena, e também como criar a ilusão de textura.

2. Escolha o equipamento de informática direito. Quanto computador você precisa depende se você está fazendo animação 2-D ou 3-D.

Para animação 2-D, um processador rápido é útil, mas não é absolutamente necessário. No entanto, obtenha um processador quad-core se puder pagar, e pelo menos um processador dual-core se você estiver comprando um computador usado.

Para animação 3-D, no entanto, você quer o processador mais rápido que você pode pagar por causa de todo o trabalho de renderização que você fará. Você também vai querer ter uma quantidade significativa de memória para apoiar esse processador. Você mais do que provavelmente passará vários milhares de dólares em uma nova estação de trabalho de computador.

Para qualquer forma de animação, você desejará um monitor tão grande quanto sua área de trabalho planejada pode acomodar, e você pode considerar uma configuração de dois monitores se tiver várias janelas do programa orientadas por detalhes abertas de uma só vez. Alguns monitores, como o Cintiq, são projetados especificamente para animação.

Você também deve considerar usando um Tablet Graphics, Um dispositivo de entrada conectado ao seu computador com uma superfície que você se desenha com uma caneta, como o Intuos Pro, no lugar de um mouse. Começando, você pode querer usar uma caneta mais barata para rastrear seus desenhos de lápis para transferir imagens para o seu computador.

3. Escolha o software apropriado ao seu nível de habilidade. O software está disponível para a animação 2-D e 3-D, com opções baratas disponíveis para iniciantes e opções mais sofisticadas e mais dispendiosas, você pode migrar como seu orçamento e habilidade direciona.

Para animação 2-D, você pode produzir imagens animadas rapidamente usando o Adobe Flash, com a ajuda de um dos muitos tutoriais gratuitos disponíveis. Quando você estiver pronto para aprender a animar quadro a quadro, você pode usar um programa gráfico como o Adobe Photoshop ou um programa que tenha um recurso semelhante ao recurso Timeline do Photoshop.

Para animação 3-D, você pode começar com programas gratuitos como o liquidificador e, em seguida, passar para programas mais sofisticados, como o Cinema 4D ou o padrão da indústria, a Autodesk Maya.

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4. Prática. Mergulhe no software que você escolheu usar, aprendendo a criar com ele e, em seguida, sentando-se e criando animações do seu próprio. Compilar essas animações em um carretel de demonstração que você pode mostrar aos outros, um em um ou online.

Ao explorar seu pacote de software de animação, dê uma olhada em "Parte Três: Criando Animação Pen-and-Ink" Se o seu software for para animação 2-D e "Parte Quatro: Criando Animação de Movimento Stop" para determinar quais partes do processo O software automatizará para você e quais porções você terá que fazer fora dele.

Você pode postar vídeos para o seu próprio site, que devem ser registrados em seu próprio nome ou da sua empresa.

Você também pode postar em um site como YouTube ou Vimeo. Vimeo permite que você altere qual vídeo você está postando sem alterar o link, o que pode ser útil quando você criou sua mais recente obra-prima.

Pontas

Livros gerais que você pode se referir enquanto aprende a animar incluem Morr Meroz`s Animação para iniciantes, Richard Williams O Kit de Sobrevivência do Animador, e Frank Thomas e Ollie Johnston`s As ilusões da vida. Se você quiser aprender animação estilo cartoon, leia Preston Blair`s Animação dos desenhos animados.

Se você tem um interesse particular na animação 3D, leia "Como trapacear em Maya. Para saber mais sobre como compor cenas e tiros, leia Jeremy Vineyard Configurando seus tiros.

Animação pode ser combinada com ação ao vivo. MGM fez isso em 1944 Âncoras Aweigh, Onde o gene Kelly dançou com Jerry Mouse (de Tom e Jerry Fame) em uma cena. Série de TV de 1968 de Hanna-Barbera, As novas aventuras de Huckleberry Finn Atores ao vivo combinados jogando Huck, Tom Sawyer e Becky Thatcher, com personagens animados e origens. Um exemplo mais recente com animação de computador é de 2004 Capitão do céu e o mundo de amanhã, Com os atores humanos Jude Law, Gwyneth Paltrow e Angelina Jolie realizando com origens e veículos gerados por computador.

Se você quiser uma animação mais suave, (apenas para dispositivos eletrônicos) adicione alguns quadros entre os quadros. Recomenda-se usar nós de vara porque ele automaticamente faz sua animação suave (ligar o tweening) e para computadores, laptops etc., Você deve usar o Adobe Flash. Já é como se você fosse um profissional.